중국 전통 희곡 예술의 영화화에 따른 현대적 진화에 관한 연구|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This study delves into the transformations that traditional Chinese drama, in a rapidly evolving media landscape, is undergoing as it combines with the modern medium of film and is reborn as a play-film. Over its long history, Chinese drama has evolved into a comprehensive art form, combining song and dance, poetry and drama, and visual arts and music. However, as we enter the digital age of the 21st century, China's traditional performing arts are facing a crisis in recording, preservation, and transmission of traditional arts due to a weakening social foundation in response to the demands of the times, a shrinking audience base, and changes in the industrial structure. In this reality, the film adaptation of the play goes beyond a simple attempt at recording or restoration; it carries the meaning of a creative practice that seeks to reinterpret the essence of traditional culture in a new form and expand its vitality.
The purpose of this study is to elucidate the artistic transformation that occurs when traditional drama art combines with cinematic language through drama film, and to analyze the cultural transformation that emerges during this process. Specifically, it illuminates how the symbolic aesthetic system of drama, manifested through stylized performance and stage format, is reconstructed within the visual grammar of film. It also explores how this aesthetic of traditional art is preserved and transformed within contemporary visual art. This was intended to show that the birth of a play film was not simply a combination of media, but rather a modern rebirth of traditional culture through a process of recreation and a process of redefining the value of tradition within contemporary artistic discourse.
The research methodology that serves as the theoretical foundation for this study employs film semiotics, structuralist narrative analysis, and spatial narratology to interpret the stylized symbolic sign systems inherent in dramaturgy and film. The film semiotics approach provides a framework for analyzing how the stylized symbolic images of traditional drama are reinterpreted and given meaning within the visual language. Structuralist narrative analysis is utilized to elucidate how the traditional narrative of drama undergoes a cinematic reconfiguration through adaptation, thereby acquiring a contemporary universality. Furthermore, the perspective of spatial narratology served as an analytical framework for exploring how the limitations inherent in the limited space of a play's performance stage expand spatiotemporally when combined with film. Furthermore, the historical development of the art of drama and the aesthetic characteristics of each period were summarized through a review of various prior studies, and based on this, the academic and cultural significance of the fusion of traditional drama and film were systematically analyzed.
The primary subject of analysis for this study is "The Legend of the White Snake" (白蛇傳), a representative Chinese mythological drama and widely recognized as a classical epic. Since its debut in 1905 as the play-film "Dingjunshan" (定軍山), "The Legend of the White Snake" has undergone numerous adaptations, undergoing various transformations across various eras. Each era's technological advancements, social discourse, and cultural policies have revealed distinct aesthetic characteristics. This study analyzes this process of change by dividing it into five periods. First, the period from 1905 to 1949 was the early exploratory period of cultural transmission, a period characterized by simple visual recordings of stage performances. Second, the period from 1949 to 1966 was the policy-driven period of cultural transmission, a period in which state-led policies strengthened the ideological objectives of traditional arts. Third, the Cultural Revolution (1966-1978) was a period of survival for cultural transmission. It examines how traditional arts struggled to maintain their legacy despite strict regulations and restrictions, as well as potential movements toward the restoration of tradition. Fourth, the period from 1978 to 2000 can be seen as a period marked by the marketization of cultural transmission, a period in which commercialism and artistry merged within the market-oriented production environment following China's reform and opening-up policies. Finally, the digital transition period since 2000 has been a period of strengthening the technological capabilities of cultural transmission, and the introduction of cutting-edge video technology, virtual reality, and CG has clarified the process by which traditional narratives have expanded into new audiovisual aesthetics.
The analysis reveals that play-films are not simply reproductions of traditional art forms, but rather represent a fusion and comprehensive art form where tradition and modernity coexist. The stylized performances and virtual stage aesthetics of play are recreated in a new audiovisual language through the film's camera angles, lighting, editing, color, and sound. Through this, traditional aesthetic values are transformed into a modern sensibility. The actors' performances simultaneously embodied psychological depth and symbolism by maintaining traditional norms while embracing cinematic realism, and the stylized makeup and costumes, through their fusion with film technology, functioned not as simple visual devices but as aesthetic symbols that revealed the characters' identities and inner worlds. This cinematic adaptation of traditional dramatic art is considered an artistic innovation that creates a new appreciation system without compromising the play's essence. In particular, the adaptation of "The Tale of Baeksae" confirmed that artistic sensibilities and mythological worldviews are interpreted differently across eras, and that the cinematic device serves the purpose of repositioning the spirit of traditional culture within a modern sensibility. While early works emphasized traditional ethics and morality, works from the later digital era have shifted their focus to encompass narratives of the human mind that transcend the boundaries of existence, reinforcing themes of love and freedom. Through these changes, drama films have become more than mere restorations of classics; they have become a forum for cultural discourse reflecting the zeitgeist.
This study also reexamines the Meilanfang(梅蘭芳) artistic system, a symbolic system of traditional Chinese theater, from the perspective of recording, restoring, and transmitting traditional art. The acting aesthetics established by the Meilanfang system, emphasizing the harmony of form and spirit, still serve as the foundation for creative work in today's digital media. By examining how this traditional system is inherited and transformed in cinematic expression, the researcher demonstrated that drama films can preserve the essence of traditional theater while simultaneously developing into a driving force for modern creation.
In conclusion, this study confirms that drama film is an artistic practice that simultaneously preserves traditional culture and achieves modern innovation. It is not simply a record of traditional art, but a creative process of transformation that redefines the meaning of tradition and expands its value within a new media environment. Dramatic films function as a medium that conveys the cultural genes (cultural genes) embodying Chinese history, aesthetics, ethics, and emotions to the world, combining them with modern technology. They suggest a direction for the globalization of traditional culture and sustainable cultural development. Furthermore, this study proposes a model for the creative inheritance of traditional arts in the age of media convergence, offering practical insights for future research on traditional culture and the creation of visual art.

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국문 초록 (Abstract)

본 연구는 급변하는 미디어 환경 속에서 중국 전통 희곡 예술이 영화라는 현대적 매체와 결합하여 희곡 영화로 재탄생하는 과정에서 어떤 변화를 겪고 있는지를 심층적으로 탐구한다. 중국 희곡은 유구한 역사 속에 노래와 춤, 시와 연극, 미술과 음악이 결합한 종합 예술로 발전해 왔다. 그러나 21세기 디지털 시대에 접어들면서 중국의 전통 공연 예술은 시대적 요청에 따라 사회적 기반이 취약해 짐에 따라 관객층의 축소, 산업 구조의 변화로 이어져 전통 예술에 관한 기록, 보존, 전승의 위기를 맞이하고 있다. 이러한 현실 속에서 희곡 예술의 영화화는 단순한 기록이나 복원의 시도를 넘어, 전통문화의 본질을 새로운 형식으로 재해석하고 생명력을 확장하려는 창조적 실천으로서의 의미를 지닌다.
본 연구의 목적은 전통 희곡 예술이 희곡 영화를 통해 영화적 언어와 결합하는 과정에서 발생하는 예술적 전환의 실체를 규명하고, 그 과정에서 나타나는 문화적 변용의 양상을 분석하는 데 있다. 특히 양식화된 연기와 무대 형식으로 드러나는 희곡의 상징적인 미학 체계가 영화의 시각적 문법 속에서 어떻게 재구성되는지를 밝히고 있으며, 이러한 전통 예술의 미학이 현대 영상 예술 속에서 어떠한 방식으로 보존·변형되는지를 탐색한다. 이는 희곡 영화의 탄생이 단순한 매체의 결합으로 이뤄진 것이 아니라, 재창조 과정을 통해 이뤄지는 전통문화의 현대적 재탄생이자 동시대 예술 담론 속에서 전통의 가치를 재정립하는 과정임을 보여주고자 하였다.
연구의 이론적 기반이 되는 연구 방법론으로는 희곡 예술과 영화에 내재한 양식화된 상징적 기호 체계의 해석을 위해 영화 기호학, 구조주의적 서사 분석, 그리고 공간 서사학의 관점을 채택하였다. 영화 기호학적 접근은 전통 희곡의 양식화된 상징적 이미지가 영상 언어 속에서 새롭게 해석되고 의미화되는 과정을 분석하는 틀이 되며, 구조주의 서사 분석은 희곡의 전통적 서사가 각색을 통해 영화적 재구성을 거치며 현대적 보편성을 획득하는 과정을 규명하는 데 활용된다. 그리고 공간 서사학의 관점은 희곡의 공연 무대가 지닌 제한된 공간에 따른 한계가 영화와 결합하면서 시공간적으로 확장되는 양상을 탐구하는 분석 틀로 작용하였다. 이와 함께, 희곡 예술의 역사적 발전과정과 각 시기의 미학적 특성에 관해서는 다양한 선행연구 검토를 통해 정리하였으며, 이를 토대로 전통 희곡 예술과 영화의 융합이 지닌 학문적, 문화사적 의미를 체계적으로 분석하였다.
본 연구를 위해 주요 분석 대상으로 삼고 있는 작품 사례로는 중국의 대표적 신화극이자 고전 서사로 널리 알려진 <백사전>(白蛇傳)을 중심으로 하였다. 1905년 최초의 희곡 영화 <정군산>(定軍山)의 탄생 이래 영화 <백사전>은 다양한 시대에 걸쳐 다양한 변화를 보이며 수차례 영화화되어 왔으며, 각 시대의 기술과 사회적 담론, 문화정책에 따라 다른 미학적 성격을 드러냈다. 본 연구는 이러한 변화과정을 다섯 시기로 구분하여 분석하였다. 첫째, 1905년부터 1949년까지는 문화 전승의 초기 탐색기로서 무대 공연을 단순히 영상화한 초기 기록기이며, 둘째, 1949년부터 1966년까지는 문화 전승의 정책 주도기로서 국가 주도하에 전통 예술에 이념적 목적이 강화된 정책기라 할 수 있다. 셋째, 문화대혁명기(1966~1978)는 문화 전승의 생존기로서 강력한 규율과 제약 속에서도 전통 예술이 자신의 명맥을 이어가고자 노력했던 지점과 전통 복원을 향한 잠재적 움직임을 규명한다. 넷째, 1978년부터 2000년까지는 문화 전승의 시장화로 개혁개방 이후 시장 중심의 제작 환경 속에서 상업성과 예술성이 결합한 시기로 볼 수 있다. 마지막으로 2000년 이후의 디지털 전환기는 문화 전승의 기술적 역량 강화기로 첨단 영상 기술과 가상 현실, CG의 도입을 통해 전통 서사가 새로운 시청각 미학으로 확장되는 과정을 규명한다.
분석 결과, 희곡 영화는 전통 예술의 단순한 재현이 아니라, 전통성과 현대성이 공존하는 융합적이고 종합적인 예술로서의 성격을 지닌다. 희곡의 양식화된 연기와 가상적 무대 미학은 영화의 카메라 구도, 조명, 편집, 색채, 음향을 통해 새로운 시청각 언어로 재창조되었으며, 이를 통해 전통의 미적 가치가 현대적 감각으로 변화를 이루었다. 배우의 연기는 전통적 규범을 유지하면서도 영화적 리얼리즘을 수용하여 심리적 깊이와 상징성을 동시에 구현하였으며, 양식화된 분장과 의상은 영화기술과의 융합을 통해 단순한 시각적 장치가 아니라 인물의 정체성과 내면세계를 드러내는 미학적 상징으로 기능하였다. 이러한 전통 희곡 예술의 영화적 변환이 전하는 의미는 희곡의 본질을 훼손하지 않으면서도 새로운 감상 체계를 형성하는 예술적 혁신으로 평가된다. 특히 <백사전>의 경우 각색 과정을 통해, 예술적 감성과 신화적 세계관이 시대별로 다르게 해석되며, 영화적 장치는 이를 매개로 전통문화의 정신을 현대적 감수성 속에 재배치하는 임무를 수행한다는 점이 확인되었다. 초기 작품이 전통 윤리와 도덕을 강조했다면, 후기 디지털 시대의 작품들은 존재의 경계를 넘어서는 인간 내면의 서사로 확장하여 사랑과 자유에 관한 주제를 강화하는 방식으로 변화를 이루었다. 이러한 변화를 통해 희곡 영화는 단순한 고전의 복원이 아니라, 시대정신을 반영한 문화적 담론의 장으로 자리 잡게 되었다.
본 연구는 또한, 전통 예술의 기록과 복원, 전승 측면에서 중국 전통 연극의 상징적 체계인 매란방(梅蘭芳) 예술 체계를 재조명하였다. 형식과 정신의 조화를 강조하고 있는 매란방 체계가 구축한 연기미학은 오늘날의 디지털 영상에서도 여전히 창작의 근간으로 작용하고 있다. 연구자는 이 전통적 체계가 영화적 표현 속에서 어떻게 계승되고 변형되는지를 검토함으로써, 희곡 영화가 전통 연극의 정수를 보존하는 동시에 현대적 창작의 동력으로 발전할 수 있음을 입증하였다.
결론적으로 본 연구는 희곡 영화가 전통문화의 계승과 현대적 혁신을 동시에 실현하는 예술적 실천임을 확인하였다. 이는 전통 예술의 단순한 기록이 아니라, 새로운 미디어 환경 속에서 전통의 의미를 재정립하고, 그 가치를 확장하는 창조적 변용의 과정이다. 희곡 영화는 중국의 역사와 미학, 윤리와 정서를 담은 문화 유전자(文化基因)를 현대 기술과 결합하여 세계에 전달하는 매개체로서 기능하며, 전통문화의 세계화와 지속 가능한 문화 발전의 방향을 제시한다. 나아가 본 연구는 미디어 융합 시대에 전통 예술이 나아가야 할 창조적 계승의 모델을 제안함으로써, 향후 전통문화 연구와 영상 예술 창작에 실질적 통찰을 제공한다.

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본 연구는 급변하는 미디어 환경 속에서 중국 전통 희곡 예술이 영화라는 현대적 매체와 결합하여 희곡 영화로 재탄생하는 과정에서 어떤 변화를 겪고 있는지를 심층적으로 탐구한다. 중국 ...

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