2000년 이후 중·미 뮤지컬 영화 비교 연구|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This study conducts a multicultural comparative analysis of the musical film industries in the United States (Hollywood) and China. Focusing primarily on the musical film genre, it explores how this form has emerged and developed within each country’s distinct political-economic systems, cultural traditions, and social ideologies, while identifying the underlying principles and unique modes of expression that characterize their respective approaches.
The analysis begins by establishing a clear definition of the musical film as a cinematic art form in which song, dance, and narrative are seamlessly integrated. It then examines the genre’s historical evolution from three key perspectives: its origins in early twentieth-century short song-and-dance films and rapid expansion following the arrival of sound cinema; the division of musicals into stage-to-screen adaptations, original film musicals, and conventional dramas retrofitted with musical numbers; and the recurring conventions through which song and dance either directly propel the plot, advance the storyline, or deepen and intensify thematic expression.
Grounded in this theoretical framework, the study traces the historical development of musical films in both countries in chronological order, drawing on carefully organized historical sources.
Hollywood’s trajectory spans the initial sound-film experiments of the 1930s, the Golden Age of widespread popularity, post-war formal innovation, and the multicultural fusion of the twenty-first century. Throughout this evolution, the profound influence of Broadway theatrical traditions and a highly commercial, big-budget production model remain evident.
In contrast, Chinese musical cinema originated with early attempts to adapt traditional operas to the screen, entered a “singing film” (歌唱片) phase in which the genre primarily served propaganda and ideological purposes, began incorporating and localizing Western musicals after the Reform and Opening-up period, and, in the twenty-first century, achieved distinctive forms of fusion and original creation bolstered by proactive state cultural policies.
At the levels of ideology and cultural codes, the study further compares how the two traditions treat recurring themes such as dreamlike ideal worlds, the tension between individual and collective, and the interplay of tradition and modernity. In doing so, it illuminates the specific challenges China has encountered in forging a distinctive musical film identity and suggests potential paths forward.
The comparative analysis reveals that, despite the shared core principle of using song to drive narrative, differences in policy environments, industrial structures, and audience expectations have given rise to markedly different narrative concerns and aesthetic styles in each country.
Finally, close readings are conducted of three American musicals—Chicago, La La Land, and tick, tick… BOOM!—and three Chinese counterparts—Perhaps Love (如果·愛), Happiness (高興), and Eternal Wave (永不消逝的電波). Through detailed examination of spatial symbolism, narrative structure, visual style, and the integration of song and dance, the study elucidates genre conventions, ideological dimensions, modes of cultural transmission, and the intercultural resonances that emerge between the two traditions.
The originality of this research lies in its transcendence of earlier studies limited to a single national cinema or genre by effectively connecting broad historical trajectories with concrete textual analysis; in its proposal of a new tripartite analytical model—genre elements, cultural codes, and narrative style—that offers a reusable framework for future Chinese cinema scholarship; and in its heightened attention to audience reception and the operation of cultural imagination across national boundaries, thereby deepening the field of musical film studies and grounding it more firmly in contemporary realities.

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국문 초록 (Abstract)

본 연구는 미국(할리우드)과 중국 영화 산업을 다문화 눈으로 비교한다. 주로 뮤지컬 영화를 대상으로 한다. 이 장르가 각 나라의 정치·경제 시스템, 문화 전통, 사회 생각 속에서 어떻게 생기고 어떻게 나타나는지, 그 원리와 특유 표현 방식을 알아보고자 한다. 분석은 먼저 뮤지컬 영화 뜻을 분명히 정하는 데서 시작한다. 뮤지컬 영화를 노래·춤·이야기가 하나로 합쳐진 영상 예술이라고 정의한다. 그리고 역사 발전 과정을 세 가지로 본다. 첫째, 20세기 초 짧은 노래·춤 영상에서 시작해서 소리 나는 영화가 나온 뒤 빠르게 커진 길. 둘째, 장르 안에서 연극 원작을 영화로 만든 것, 새로 만든 작품, 기존 영화에 노래·춤만 넣은 것, 이렇게 세 갈래로 나뉜 모습. 셋째, 노래·춤이 이야기를 직접 이끌거나, 줄거리를 밀고 가거나, 주제를 더 깊고 강하게 보여 주는 습관을 살펴본다.
이 이론을 바탕으로 역사 자료를 잘 정리해서 미국과 중국 뮤지컬 영화가 어떻게 자랐는지 시간 순서대로 살펴봤다.
할리우드는 1930년대 소리 영화 처음 시도 시기부터 황금기 대중 인기 시기, 전쟁 후 새 형식 만들기, 그리고 21세기 여러 문화 섞는 단계까지 발전 과정을 따라갔다. 여기서 브로드웨이 전통이 크게 작용하고 돈 많이 버는 상업 제작 방식이 강하다는 걸 보여줬다.
반면 중국은 옛 희곡을 영화로 옮기는 시도에서 시작해서 ‘가창편’（歌唱片)　시기에 선전과 이념을 전하는 역할, 개혁개방 후 서구 뮤지컬을 받아들이고 자기식으로 바꾸기, 21세기 들어 국가가 밀어주는 문화 정책 덕에 자기만의 융합과 새로 만들기를 했다.
또 이 논문은 이념과 문화 코드 차원에서 양국 뮤지컬 영화가 ‘꿈의 이상 세계’, ‘개인과 집단’, ‘옛것과 새것’ 같은 주제에서 보이는 차이를 비교했다. 그래서 중국 뮤지컬 영화가 자기식으로 자리 잡는 데 어떤 어려움이 있고 앞으로 어떻게 넘을지 찾아봤다.
비교 결과 두 나라 뮤지컬 영화는 ‘노래로 이야기를 이끌어 간다’는 공통점을 갖고 있지만 정책, 산업 구조, 관객이 바라는 게 달라서 각자 다른 이야기 관심과 미학 스타일을 만들었다는 걸 알 수 있었다.
마지막으로 본 논문은 미국의 <시카고>, <라라랜드>,<틱, 틱... 붐!> 세 작품과 중국의 <퍼햅스 러브>(如果·愛), <행복>(高興), <영불소실의 전파>(永不消逝的電波) 을 대상으로 공간 상징, 서사 구조, 영상 스타일 및 노래·춤 활용에 관한 작품 분석을 수행하여 장르 요소, 이데올로기 및 문화 전파 방식, 그리고 그 간의 문화 간 공명을 논증하였다.
이번 연구의 새로움은 세 가지다. 첫째, 한 나라나 한 장르에만 묶인 기존 공부의 한계를 넘어서 큰 역사 흐름과 실제 영화 분석을 잘 연결했다. 둘째, '장르 요소-문화 코드-이야기 스타일'이라는 세 방향 분석 방법을 새로 만들어 앞으로 중국 영화 연구에 쓸 수 있는 길을 열어줬다. 셋째, 나라 사이 비교를 하면서 관객이 영화를 어떻게 받아들이는지, 또 문화적 상상력이 어떻게 작동하는지에 더 많이 주목해서 뮤지컬 영화 연구를 더 깊게 만들고 현실에도 더 가까이 다가갔다.

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본 연구는 미국(할리우드)과 중국 영화 산업을 다문화 눈으로 비교한다. 주로 뮤지컬 영화를 대상으로 한다. 이 장르가 각 나라의 정치·경제 시스템, 문화 전통, 사회 생각 속에서 어떻게 생...

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