자문화기술지를 통한 창작자의 정체성 탐구와 댄스다큐멘터리 제작 연구 = A Study on the Exploration of the Creator’s Identity through Autoethnography and the Production of Dance Documentary

국문 초록 (Abstract)

본 연구는 무용의 일회적이고 비언어적인 특성으로 인해 창작자의 내적 경험과 예술적 사유를 온전히 기록하고 보존하는 데 따르는 한계를 극복하고자 하였다. 단순한 영상 기록이나 기존 댄스다큐멘터리만으로는 창작 과정의 내재적 가치를 전달하는 데 부족함이 있다는 문제의식 아래, 자문화기술지(Autoethnography)와 댄스다큐멘터리를 결합하여 무용 창작 과정 및 창작자의 정체성을 기록하고 전달하는 새로운 아카이빙 모델의 가능성을 탐구하는 데 목적이 있다.
연구자는 자신이 직접 창작한 세 작품을 대상으로 자문화기술지적 접근을 통해 심층적으로 기록하고 분석하였으며, 이를 기반으로 댄스다큐멘터리를 제작하여 시각화하는 실천적 연구를 수행하였다. 논의에 앞서, 자문화기술지의 자기서사적 글쓰기 구조와 폴 리쾨르(Paul Ricœur)의 이야기 정체성 이론을 기반으로 창작자의 경험이 '기록(언어)-해석(서사)-영상화(시각)' 과정을 거치며 구성되는 구조적 분석 프레임을 구축하였다.
이러한 구조적 접근을 통해 본 연구는 창작자의 정체성이 기록의 언어, 신체의 움직임, 카메라의 시선이 상호 반사적으로 작용하며 끊임없이 구성되고 변화하는 ‘과정적 정체성’임을 발견하였다. 특히, 폴 리쾨르의 미메시스(Mimesis) 삼중구조를 적용하여 창작자의 정체성 구성 과정을 탐구한 결과, 창작자의 정체성 구성 과정은 ‘결핍-분열-확장’이라는 세 단계의 서사적 축을 따라 이동하였다. ‘결핍’ 단계에서는 내면의 갈망이 신체적 제의와 작성지 속 불안이라는 기록으로 나타났으며, ‘분열’ 단계에서는 사회적 긴장과 타인의 기대가 유머와 풍자적 아이러니로 전환되며 관계적 자아를 드러냈다. 마지막 ‘확장’ 단계에서는 정서적·신체적 경계가 열리며 창작자가 이전의 경험을 내려놓고 자신을 재정의하는 열린 존재로 나아갔다.
결론적으로, 본 연구는 무용 창작자의 경험을 기록, 신체, 영상의 차원을 넘나드는 하나의 서사적 체계로 구조화하고 시각화함으로써 다음과 같은 의의를 지닌다. 첫째, 창작자의 경험과 내적 서사를 탐구 대상으로 삼아 무용학 연구의 시야를 확장하였다는 학문적 의의를 갖는다. 둘째, 자문화기술지와 댄스다큐멘터리를 상호보완적으로 결합하여 무용 아카이빙의 방법론적 확장 가능성을 제시했다. 셋째, 완성된 댄스다큐멘터리를 독립적인 예술 작품이자 학문적 연구 성과로 제시함으로써 창작 과정 전체를 하나의 서사적·실천적 연구로 바라볼 수 있는 새로운 관점과 실천적 모델을 제시하였다. 추후 다양한 사례에 대한 비교 적용 및 영상 문법에 대한 심층 연구가 이어진다면 본 연구의 논의는 더욱 확장될 수 있을 것이라 사료된다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This study seeks to address the limitations arising from the ephemerality and non-verbal nature of dance, which often prevent the inner experiences and artistic reasoning of choreographers from being fully recorded and preserved. Based on the recognition that simple video documentation or existing dance documentaries are insufficient for conveying the intrinsic value embedded in the creative process, the purpose of this research is to explore the potential of a new archiving model that integrates autoethnography and dance documentary in order to record and communicate the choreographic process and the identity of the creator.
The researcher conducted an in-depth recording and analysis of three original works through an autoethnographic approach, and, based on these findings, carried out a practice-based study by producing a dance documentary that visualizes the process. Prior to the main discussion, a structural correspondence framework was established by drawing on the autobiographical writing structure of autoethnography and Paul Ricœur’s theory of narrative identity, outlining how the creator’s experience is constructed through the processes of recording (language)–interpretation (narrative)–visualization (image).
Through this structural approach, the study found that the choreographer’s identity emerges as a processual identity, one that is continually constructed and transformed as the language of documentation, bodily movement, and the camera’s gaze operate reflectively and reciprocally. In particular, by applying Ricœur’s triple mimesis, the study examined the choreographer’s identity formation in depth and revealed that the process unfolds along three narrative axes: lack–rupture–expansion. In the stage of lack, inner longing appeared as bodily ritual and as anxiety inherent in the creative site. In the stage of rupture, social tensions and others’ expectations were converted into humor and satirical irony, revealing a relational self. In the final stage of expansion, emotional and physical boundaries opened, enabling the choreographer to release previous experiences and move toward redefining the self as an open and evolving being.
In conclusion, by structuring and visualizing the choreographer’s experience across the layers of text, body, and image as a single narrative system, this study offers several contributions. First, it expands the scope of dance scholarship by positioning the creator’s inner experience and narrative as central objects of inquiry. Second, it proposes methodological possibilities for expanding dance archiving by combining autoethnography and dance documentary in a complementary manner. Third, by presenting the completed dance documentary as both an independent artistic work and an academic achievement, the study offers a new perspective and a practical model for viewing the entire creative process as a unified narrative and practice-based investigation. Further comparative applications across diverse cases and in-depth research on cinematic grammar may extend the implications of this study.

목차 (Table of Contents)

• Ⅰ. 서론 1
• 1. 연구의 필요성 및 목적 1
• 2. 연구의 절차 및 제한점 7
• Ⅱ. 이론적 배경 10
• 1. 자문화기술지 10
• 1) 자문화기술지의 정의 10
• 2) 자문화기술지의 유형 11
• 3) 자문화기술지의 자료수집과 분석 방법 12
• 2. 정체성 이론 15
• 1) 정체성 개념의 전환과 문화적 맥락 15
• 2) 아비투스와 몸 16
• 3) 이야기 정체성과 자기 서사 18
• 3. 댄스다큐멘터리 21
• 1) 다큐멘터리의 개념 21
• 2) 다큐멘터리의 유형과 이론적 틀 23
• 3) 댄스다큐멘터리의 사례 25
• Ⅲ. 자기성찰적 기록을 위한 분석 프레임 29
• 1. 분석 프레임: 자문화기술지적 기록 절차와 이야기 정체성 30
• 2. 분석 프레임 기반 작성지 36
• Ⅳ. 창작자의 정체성 탐구 사례 적용 41
• 1. 사례 선정 및 자료 구성 41
• 2. 사례별 분석 프레임 작성지 적용 43
• 3. 질적 코딩 결과 및 정체성 서사 분석 64
• Ⅴ. 자문화기술지를 기반한 댄스다큐멘터리 제작 68
• 1. 작품 개요 및 구성 70
• 2. 자문화기술지의 시각화 71
• 1) 기록 중심 구조의 시각화 72
• 2) 장면 중심 구조의 시각화 76
• 3. 다큐멘터리 모드별 정체성 시각화 95
• Ⅵ. 결론 및 제언 102
• 참고문헌 105
• Abstract 109