여성 트라베스티의 무용미학적 함의 : 파리 오페라 발레단 〈코펠리아〉(1870)를 중심으로 = The Dance Aesthetic Implications of Female Travesty:Focusing on the Paris Opera Ballet's Coppélia (1870)

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This paper aims to examine the dance aesthetic implications of female travesty dancers during the 19th-century Romantic ballet period. To this end, it focuses on the role of female travesty dancers and the effects of their portrayal in the ballet Coppélia, which premiered at the Paris Opera Ballet in 1870. Ballet is generally recognized as an art form symbolized by female dancers, which was formed in the 19th century Romantic ballet period as female dancers embodied the ideal image of men. However, this phenomenon has been consistently criticized for reinforcing the passivity and sexual objectification of women in ballet.
But was 19th-century Romantic ballet solely the subject of criticism? This paper focuses on female travesty dancers in 19th-century romantic ballet. In 19th-century romantic ballet, gender-bending performances were common, and female travesty dancers were proof of this. These dancers, who performed male roles, created meanings that went beyond simple cross-dressing in ballet.
Just as romantic ballet has been evaluated from the perspective of the sexual objectification of female dancers, female travesty dancers have also been interpreted within a sociological context that emphasizes the sexual objectification of women by men who visually indulge in the bodies of women dressed as men. However, this paper differs from existing critical perspectives by analyzing the aesthetic effects that the male roles and movements performed by female travesty dancers had on the choreographic form of ballet and the character composition within works.
Chapter 1 lays the theoretical foundation for this study by examining the historical context of the phenomenon of travesty in ballet. It reviews the existence of travesty dancers and the ways in which they were realized in each historical period, from 17th-century court ballet to 18th-century ballet.
Chapter 2 explains the process by which female dancers came to occupy the center of the stage as ballet established itself as a theater-centered art form in the early 19th century, and examines the social background behind the increase in female travesty dancers during this period. It also examines specific works featuring female travesty dancers and considers the choreographic characteristics and movement expression methods evident in these works.
Furthermore, by examining the types of male characters they played through ballet scripts, this chapter examines how they created male protagonist characters that differed from those played by male dancers. Based on this, Chapter 3 compares and analyzes Coppélia in the Paris Opera Ballet and Bolshoi Ballet versions to identify the specific characteristics of the male protagonists played by female travesty dancers.
This analysis confirms that female travesti dancers achieve gender-neutral choreography that transcends gender boundaries, diversify the personality types of male protagonists, and emphasize the agency of female protagonists.
The dance aesthetic effects revealed through this analysis suggest broad possibilities for flexible gender concepts in ballet direction and casting strategies, providing important historical implications for contemporary ballet's approach to “reinterpreting classics.” Furthermore, it goes beyond existing interpretations focused on the objectification of women, revealing that gender equality elements existed in romantic ballet, particularly in terms of gender roles, the aesthetics of movement, and the expression of characters. This not only provides an opportunity to reconsider existing critical perspectives on female travesty but also offers a new perspective on romantic ballet.

국문 초록 (Abstract)

이 논문은 19세기 낭만 발레 시기 여성 트라베스티 무용수의 무용미학적 함의를 고찰하는 데 목적을 둔다. 이를 위해 1870년 파리 오페라 발레단에서 초연된 발레 <코펠리아(Coppélia)>를 중심으로 여성 트라베스티 무용수의 역할 및 그 연출 효과를 살펴본다. 일반적으로 발레는 여성 무용수를 대표적인 이미지로 상징하는 예술로 인식되며, 이는 19세기 낭만 발레 시기 여성 무용수들이 남성의 이상적 여성상을 구현하는 과정에서 형성되었다. 그러나 동시에 이러한 현상은 발레 작품이 여성의 수동성과 성적 대상화를 강화한다는 점에서 꾸준히 비판받아 왔다.
그러나 19세기 낭만 발레는 오롯이 비판의 대상일 뿐인가? 본 논문은 이러한 문제의식에서 19세기 낭만 발레의 여성 트라베스티 무용수에 주목한다. 19세기 낭만 발레에서는 성별을 넘나드는 수행이 빈번히 일어났는데, 이것을 증명하는 존재가 여성 트라베스티 무용수다. 남성 역할을 수행한 이 무용수들은 발레에 단순한 남장을 넘어서는 의미를 창출했다.
낭만 발레를 여성 무용수의 성적 대상화라는 시각에서 평가하는 것과 마찬가지로, 여성 트라베스티 무용수 또한 남성 복장을 한 여성의 몸을 시각적으로 탐닉하는 남성의 성적 대상화라는 사회학적 맥락을 중심으로 해석되었다. 그러나 본 논문은 기존의 비판적 관점과 달리 여성 트라베스티 무용수가 맡은 남성 역할과 움직임을 통해 발레의 안무 형식과 작품 내 캐릭터 구성에 미친 미학적 효과를 분석하고자 한다.
1장에서는 연구의 이론적 기반을 마련하기 위해 발레에서 트라베스티 현상의 역사적 맥락을 살펴본다. 17세기 궁정 발레부터 18세기 발레에 이르기까지 역사적 맥락에서 트라베스티 무용수의 존재와 그 실현 양상을 시대별로 검토한다.
2장에서는 19세기 초 발레가 극장 중심의 예술로 자리 잡으면서 여성 무용수가 무대의 중심을 차지하게 되는 과정을 설명하고, 이 과정에서 여성 트라베스티 무용수의 증가가 갖는 사회적 배경을 살펴본다. 또한 여성 트라베스티 무용수가 등장하는 구체적 작품들을 살펴보며, 작품에서 나타나는 안무적 특성과 움직임 표현 방식을 고찰한다. 또한 이들이 맡은 남성 캐릭터의 유형을 발레 대본을 통해 살펴 봄으로써 남성 무용수가 남성 주인공을 맡은 작품들과는 다른 남성 주인공 캐릭터가 창출됨을 검토한다.
이를 바탕으로 3장에서는 <코펠리아>를 파리 오페라 발레단 버전과 볼쇼이 발레단 버전으로 나누어 비교 분석하여 여성 트라베스티 무용수가 연기한 남성 주인공의 특징을 구체적으로 파악한다. 이를 통해 여성 트라베스티 무용수가 성별에 따라 구분되지 않는 젠더 중립적 안무를 구현하고, 남성 주인공의 성격 유형을 다양화하여 여성 주인공의 능동성을 강조하는 효과를 가져왔음을 확인한다.
이러한 분석을 통해 드러난 여성 트라베스티 무용수의 무용미학적 효과는 발레가 지닌 젠더 관념의 유연성을 보여주는 연출과 캐스팅 전략에 폭넓은 가능성을 제시하며, 이는 동시대 발레의 ‘고전 재해석’ 방식에 중요한 역사적 함의를 제공할 수 있다. 나아가 여성의 대상화에 초점을 맞춘 기존의 해석을 넘어, 특히 성별 역할, 움직임의 미학, 등장인물의 표현 방식에 있어서 낭만 발레에서 성평등적인 요소가 존재했음을 보여준다. 이는 여성 트라베스티에 대한 기존의 비판적 시각을 재고할 기회를 마련할 수 있을 뿐만 아니라, 더 나아가 낭만 발레를 바라보는 새로운 시각을 제시할 수 있을 것이다.

목차 (Table of Contents)

• 서론 1
• 1. 예비적 고찰: 발레의 발전과정과 트라베스티 1
• 1.1. 17세기 발레의 트라베스티 8
• 1) 궁정 발레의 역사와 특징 8
• 2) 남성의 춤 시대의 남성 트라베스티 13
• 1.2. 18세기 발레의 트라베스티 19
• 1) 18세기 발레의 역사와 특징 19
• 2) 여성 무용수들의 출현과 트라베스티 21
• 2. 19세기 낭만 발레와 여성 트라베스티 무용수 28
• 2.1. 낭만 발레의 ‘여성화’와 그 사회적 배경 28
• 2.1. 여성 트라베스티 무용수의 무용미학적 의의 36
• 3. <코펠리아>의 여성 트라베스티 무용수 45
• 3.1. <코펠리아>의 역사 46
• 3.2. 여성 트라베스티의 특성과 효과 50
• 1) 젠더 중립적 안무 가능성 50
• 2) 남녀 간 역할의 평등성 55
• 3) 여성 인물의 능동성 강조 62
• 결론 69
• 참고문헌 75
• Abstract 87