존 콜트레인과 존 맥러플린을 중심으로 본 재즈의 인도음악 수용과 융합에 관한 연구 = The Reception and Fusion of Indian Classical Music in Jazz with a Focus on John Coltrane and John McLaughlin

국문 초록 (Abstract)

1950년대 말부터 1970년대에 걸쳐 미국 재즈 음악사에서 인도음악 요소의 유입과 함께 독특한 융합 현상이 관찰되었다. 본 논문은 존 콜트레인(John Coltrane, 1926-1967)과 존 맥러플린(John McLaughlin, 1942-) 두 음악가를 중심으로 이 수용 과정의 구체적 양상들을 살펴보고, 이들의 음악적 실험이 재즈 어법 및 연주 실제, 교육 담론, 상호문화적 교류에 끼친 영향을 규명하는 데 목적을 둔다. 존 콜트레인과 존 맥러플린의 음악은 인도음악과의 만남이 재즈의 기존 어법과 형식적 틀, 미학적 인식을 어떤 식으로 변모시켰는지 보여주는 대표적 사례이다. 각기 다른 방식으로 인도음악의 정수를 탐구한 이들의 음악을 비교 검토함으로써 서로 다른 음악 전통이 조우할 때 나타나는 복합적인 의미 층위와 그것이 지닌 역사적·교육적 함의를 보다 깊게 들여다 볼 수 있다.
20세기 중반 국제 문화 교류의 확대와 재즈 내부에서 발현된 혁신적 동력은 인도음악과의 창조적 조우를 가능케 한 배경으로 작용하였다. 이러한 교류는 미국 대학 내 민족음악학 프로그램 도입, 비틀즈의 시따르 도입이 촉발한 대중적 관심, 음반 산업의 지원이 더해지며 가속화되었다. UCLA, 웨슬리안 대학교, AACM에 개설된 인도음악 프로그램은 돈 엘리스, 콜린 월콧, 존 맥러플린 등 여러 재즈 음악가들이 인도음악을 체계적으로 배우고 인도 음악가들과 함께 음악적 실험을 추진할 수 있는 공간을 제공하였다. 이와는 대조적으로 제도권 밖에서는 존 콜트레인이 독자적인 음악적 탐구와 라비 샹까르와의 만남을 통해 인도음악의 정수에 다가가려 하며 또 하나의 중요한 흐름을 형성했다.
연구 결과의 주요한 한 축인, 존 콜트레인의 음악에서 인도음악의 영향은 그의 혁신을 이해하는 중요한 열쇠이다. 모달 재즈를 파고들던 그는 인도음악의 원리와 구조를 자기 식으로 해석하고 녹여내면서 재즈의 전통적인 틀을 깨고 그 가능성을 새로 썼다. 그는 인도음악의 핵심 요소인 드론(drone)의 개념을 작품 전체를 꿰뚫는 핵심적인 구조이자 음향 탐구의 토대로 활용했다. ‘라가’(rāga)와 ‘라사’(rasa)에 대한 탐구를 통해서는 점진적이면서도 서사적인 인도음악의 선율 전개 방식에 조응하는 독창적인 수평적 즉흥연주 스타일을 발전시켰다. 또한 악기 본연의 소리에 갇히지 않는 음향 실험으로 재즈가 품을 수 있는 감정의 폭과 깊이를 한층 더 끌어올리는 성과를 거두었다.
이와 같은 음악적 혁신의 배경에는 존 콜트레인이 생애 후반에 몰입했던 영적·철학적 사유가 깔려 있다. 그의 음악에는 인도 사상과 철학에 깊이 공명하며 얻어낸 내면의 성찰이 짙게 배어 있었다. 개인의 구도 과정을 음악으로 치환하여 예술로 승화시킨 그의 후기 작업들은, 재즈가 포괄할 수 있는 주제를 철학적 사유와 내면 탐구의 차원으로까지 넓혔다. 이는 그 뒤를 따르는 음악가들에게 무엇을, 어떻게 연주할 것인지 외에 왜 연주하는 것인지에 대한 의미심장한 질문을 던졌다.
이와 달리 존 맥러플린이 자신의 음악 세계에 인도음악을 받아들이는 과정은 존 콜트레인과는 뚜렷이 구별되는 길을 따른다. 그는 인도음악이 지닌 고도의 지적 체계, 즉 복잡하고 정교한 리듬·박자의 구성 원리나 고유한 음향, 악기별 표현력 같은 측면을 파고드는 학구적인 탐구에 몰두했다.
그는 이질적 요소들을 자신의 음악에 창의적으로 통합하고 한층 더 발전시키려는 음악적 구현에 대한 뚜렷한 의지를 보였다. 이를 실현하고자, 인도음악 이론을 체계적으로 학습하고 현지 음악가들과의 직접 교류했으며, ‘비나’(veena)와 같은 전통 악기의 연주 기법을 숙달하는 데에도 공력을 투입했다. 나아가 인도 악기 특유의 섬세한 표현을 기타로 구현하기 위해, 악기 구조를 변형시키는 실험까지도 감행한 바 있다.
이와 같은 다각적인 음악적 탐구의 결실로, 존 맥러플린은 인도음악이 지닌 고유의 리듬 형식—가산(加算) 원리, 비대칭 박자, 리듬 중첩, ‘띠하이’(tihai)와 같은 전통적인 리듬 종결 기법—을 자신의 음악에 독창적으로 융합하는 데 성공하였다. 이러한 성취는 단순한 형식적 차용이 아니라, 리듬이라는 음악적 개념 자체에 대한 사고방식의 근본적 전환을 동반한 창조적 수용이라는 점에서 특히 주목할 만하다. 그가 구축한 리듬 운용의 방식은 재즈가 감당할 수 있는 리듬적 표현의 지평을 본질적으로 확장시켰다. 더불어 재즈 내부의 양식적 진화에만 국한되지 않고, 샥띠와 같은 혼종 앙상블을 통해 이후 ‘월드 뮤직’(world music)이라는 새로운 음악 범주가 형성되는데 기여한 상호문화적 협업의 모델을 제시하였다.
주로 독학으로 인도음악과 철학을 탐구해 자신의 음악 어법에 추상화·내재화한 존 콜트레인과, 제도권 교육을 거친 체계적 학습과 인도 음악가와의 협업을 통해 새로운 음악을 창조한 존 맥러플린은 인도음악을 수용하는 방식에서 차이를 보였지만, 두 사람 모두 재즈가 비서구 음악의 자산을 창조적으로 흡수하며 경계를 확장할 수 있음을 보여주었다. 그 영향은 작곡이나 즉흥연주 양식의 변화에만 머무르지 않고, 재즈 교육의 이론적 틀과 실제적 방법론을 새롭게 구성하는 데까지 나아갔다. 존 콜트레인의 정교한 모달 화성과 즉흥연주 기법, 존 맥러플린의 비대칭 박자, 폴리리듬의 작곡 및 연주 방법론은 오늘날 재즈 교육에서 중요한 기준으로 자리잡았다. 나아가 두 음악가가 일으킨 이런 흐름은 주요 재즈 교육기관들로 하여금 인도음악을 포함한 비서구 음악에 주목하고 이를 교육 과정으로 끌어들이는 데에도 관심을 갖게 만들었다.
또한 존 콜트레인과 존 맥러플린과 같은 선대 음악가들이 구축한 인도 재즈 융합의 유산이 과거의 역사 기록에 머무르지 않고, 21세기에도 여전히 재즈의 변화를 이끄는 살아있는 음악 담론으로서 계승·발전되고 있음을 비제이 아이어와 루드레쉬 마한타파와 같은 현 시대 재즈 음악가들의 창작 실험이 보여주고 있다. 이들은 선구자들이 제시한 수용 모델들을 참고하면서, 각자의 고유한 어법과 문제의식을 가지고 재즈에 인도음악 전통의 구조적·표현적 요소들을 재해석하고 창의성을 발휘하여 결합함으로써, 인도 재즈 융합의 외연을 확장하고 그 미학적·문화적 가능성의 오늘날의 가치를 입증하고 있다.
결론적으로, 인도음악과의 조우는 20세기 후반의 재즈 역사에서 여러 창조적 변화들을 이끌어낸 중요한 사건이었다. 이것은 단발적인 시도나 잠깐 스쳐가는 유행에 머무르지 않고, 재즈의 음악 어법, 연주 관행, 교육 담론, 나아가 상호문화적 교류의 영역에까지 꾸준히 깊은 영향을 미쳤다. 존 콜트레인과 존 맥러플린의 선구적인 탐구와 성과는 재즈가 고정된 규범에 갇혀 있지 않고 세계의 다양한 음악 문화와 능동적으로 부딪치고 섞여가면서 스스로를 재정의해 나가는 살아있는 음악 전통임을 예증하였다. 이러한 역사적 궤적은 음악을 통해 문화 간의 대화가 이루어지고 이들이 창조적으로 융합하는 것이 지니는 가치를 강조하는 바로, 그 음악사적·문화사적 의의가 가벼이 여길만한 것이 아님을 보여준다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

A distinctive fusion emerged in American jazz between the late 1950s and 1970s as Indian musical elements became interwoven into the fabric of jazz. This study centers on John Coltrane (1926-1967) and John McLaughlin (1942-), examining how their absorption of Indian classical music reshaped jazz idioms, performance approaches, educational frameworks, and cross-cultural dialogue. Both musicians offer compelling examples of how Indian classical music transformed jazz’s established vocabulary, formal structures, and aesthetic values. By comparing their divergent approaches to Indian musical essence, this study uncovers the multilayered meanings that surface when distinct musical traditions intersect—and their broader historical and pedagogical significance.
The mid-twentieth century saw the intersection of jazz and Indian classical music, thanks in part to a broader wave of global cultural exchange—and just as importantly, to the restless innovation happening within jazz itself. Several forces pushed this encounter forward: American universities began setting up ethnomusicology departments; the Beatles’ engagement with the sitar piqued popular interest; and record labels showed a notable willingness to invest in these experiments. Institutions like UCLA, Wesleyan, and the AACM became hubs where musicians such as Don Ellis, Collin Walcott, and John McLaughlin could engage in deep study of Indian classical music in a structured way, often working closely with Indian performers. At the same time, John Coltrane took his own route—less institutional, more introspective—building his understanding through personal study and a formative connection with Ravi Shankar.
Coltrane’s engagement with Indian music was far from a fleeting experiment—it became a vital component of his evolving sound. At the heart of his modal jazz explorations, he didn’t simply mimic Indian traditions—he interpreted them, letting their structures inform his work without being bound by them. The idea of the drone, for instance, wasn’t just an embellishment; it became a foundational element of his compositions, holding steady as the rest of the music spiraled outward in all directions. His study of rāga and rasa led to a style of improvisation that felt less vertical and more narrative, echoing the slow, unfolding quality of Indian melodic expression. And through extensive sonic experimentation—pushing past what his instruments were conventionally meant to do—he gave jazz a broader emotional palette and a new kind of depth.
Coltrane’s later works were not just the product of musical evolution—they grew out of a profound inner journey. Immersed in spiritual and philosophical study, particularly influenced by Indian thought, he began weaving those ideas directly into his music. His compositions from this period carry a reflective, searching quality, as if each note were part of a larger inner dialogue. Rather than showcasing virtuosity for its own sake, he used jazz as a vehicle for expressing something inward and transcendent. In doing so, he shifted the focus for many musicians who followed, prompting them to think not just about how they play, but why they play at all.
McLaughlin’s journey into Indian classical music took a distinctly different route. Rather than immersing himself intuitively, he approached it with a sharp, analytical eye—breaking down intricate rhythmic patterns, decoding shifting meters, and exploring the rich textures unique to the tradition. But his engagement was not just technical. There was a clear creative drive to fuse these elements meaningfully into his own sound. He committed to a deep study of Indian music theory, sought out close collaboration with Indian musicians, and worked hands-on with traditional instruments like the veena to grasp their expressive depth. At one point, he even altered the construction of his guitar to mimic the subtle articulations of Indian instruments—an inventive move that reflected both his respect for the tradition and his desire to speak its language on his own terms.
The culmination of these multifaceted musical explorations was McLaughlin’s original fusion of Indian classical music's unique rhythmic forms—such as additive principles, asymmetrical meters, rhythmic layering, and traditional cadential patterns like the tihai—into his own work. This accomplishment is noteworthy not merely as a formal appropriation, but as a creative reception accompanied by a fundamental shift in his conceptualization of rhythm itself. The rhythmic framework he constructed fundamentally expanded the horizons of rhythmic expression in jazz. Moreover, his work was not confined to stylistic evolution within jazz; through hybrid ensembles like Shakti, he presented a model of intercultural collaboration that contributed to the formation of the new musical category of "world music."
While Coltrane, who primarily engaged with Indian classical music and philosophy through self-study and internalized it in an abstract manner, and McLaughlin, who created a new musical language through systematic institutional learning and direct collaboration, differed in their methods of reception, both demonstrated that jazz could creatively absorb the assets of non-Western music to expand its own boundaries.
The influence of Coltrane and McLaughlin didn’t stop at how jazz was played—it reached into how it is taught and understood. Their innovations helped reshape the very foundation of jazz education, both in theory and practice. Coltrane’s modal explorations and fluid improvisational language, combined with McLaughlin’s complex rhythmic structures and polyrhythmic layering, are now core elements in many jazz programs. What once felt like radical departures became standard tools. Importantly, their work also opened the door for serious academic engagement with non-Western musical systems, pushing institutions to incorporate traditions like Indian classical music into their curricula—not as curiosities, but as vital sources of knowledge and inspiration.
Contemporary jazz artists like Vijay Iyer and Rudresh Mahanthappa show that Indo-jazz fusion is not just a historical moment—it is a living, evolving conversation. Drawing from the groundbreaking work of earlier innovators, they’ve carved out their own distinct musical identities while continuing to weave Indian musical elements into jazz in fresh, inventive ways.
The encounter between jazz and Indian classical music stands as one of the defining moments in jazz’s late twentieth-century journey. It was not just a phase of experimentation or a brief engagement with exoticism—it reshaped the music’s vocabulary, performance ethos, pedagogical approaches, and its broader cultural outlook. Through the pioneering efforts of figures like Coltrane and McLaughlin, jazz revealed its capacity for transformation—not as a genre bound by tradition, but as a living form open to dialogue with the world. This chapter in jazz history is more than a stylistic development; it is a testament to how music can foster genuine intercultural exchange and imaginative fusion, with enduring implications for how we understand creativity, tradition, and connection across cultures.

목차 (Table of Contents)

• I. 서론 1
• 1. 연구의 배경 및 필요성 1
• 2. 선행 연구 고찰 7
• 3. 연구 방법론 및 연구 범위 14
• II. 재즈와 인도음악의 조우 21
• 1. 인도 재즈 융합의 배경 및 요인 21
• 2. 교류와 협업의 전개 33
• 1) 교류의 시작과 초기 협업의 양상 33
• 2) 최초의 인도 재즈 협업 음반:《임프로비제이션》 37
• 3) 1960년대 인도음악의 대중화와 그 영향 40
• 3. 재즈 음악가들의 인도 요소 수용 43
• 1) UCLA를 중심으로 한 전개: 돈 엘리스와 콜린 월콧 43
• 2) 웨슬리안 대학교를 무대로 한 전개: 존 맥러플린의 샥띠 결성 54
• 3) AACM을 통한 협업: 존 핸디와 알리 악바르 칸 59
• 4) 제도권 밖에서의 조우: 라비 샹까르와 존 콜트레인 62
• 4. 소결: 재즈와 인도음악, 그 조우의 맥락과 경로 67
• III. 존 콜트레인의 음악에서의 인도 요소 수용과 융합 69
• 1. 존 콜트레인의 인도음악 탐구 69
• 2. 모달 재즈와 인도음악 수용 77
• 1) 모달 재즈의 출현과 존 콜트레인의 수용 77
• 2) 모달 재즈의 개념 및 특징 고찰 80
• 3) 모드 사용을 통한 인도음악과의 친연성 구축 87
• 3. 인도 드론 개념의 변용 93
• 1) 초기 드론 탐색을 통한 페달 포인트 기법의 확장 93
• 2) 중기 모달 어법에서의 드론 개념의 탐구와 활용 101
• 3) 후기 음악들에서의 드론 기법의 지속과 발전 104
• 4. 즉흥연주 개념의 확장과 방법론의 재구성 107
• 1) 체계적 탐구와 구조적 조직화 107
• 2) 독자적 선율 발전 기법과 확장된 시간성의 구축 111
• 3) 음향 탐구를 통한 표현 가능성의 확장 115
• 5. 리듬적·박자적 차원에서의 제한적 수용 120
• 1) 리듬 섹션의 변화를 통한 개방적 구조 확립 120
• 2) 인도 박자 및 리듬 요소의 제한적 영향 고찰 122
• 6. 영적·철학적 자원들의 개인적 종합 129
• 1) 영적 탐구와 인도 사상의 수용 129
• 2) 음악을 통한 영적·철학적 표현 131
• 7. 소결: 내면화된 종합과 영적 탐구의 표현 138
• IV. 존 맥러플린의 음악에서의 인도 요소 수용과 융합 140
• 1. 존 맥러플린의 인도음악 탐구 140
• 2. 리듬적·박자적 차원에서의 수용과 융합 147
• 1) 리듬 실험과 분석적 도구 147
• 2) 가산박자 운용: 인도 딸라 원리의 적용과 확장 155
• 3) 다층적 리듬 조직: 리듬 중첩 기법 분석 164
• 4) 인도 종지 기법의 융합: 띠하이 활용 분석 172
• 3. 인도 음계/라가와 서구 어법의 혼종적 언어 구축 184
• 1) 화성적 패러다임의 전환: 리듬 실험과의 연관성, 모달 접근법의 심화 184
• 2) 라가, 음계, 모드: 인도 선율 체계의 창조적 수용과 혼종 음계의 형성 193
• 3) 화성적 색채 다변화 전략: 모달 시프트 기법의 활용 203
• 4. 인도 악기와 소리의 창조적 융합과 확장 206
• 1) 개별적 음향 탐구: 음색과 주법 이식 시도, 악기 개조 206
• 2) 집단적 음향 탐구: 혼종적 앙상블에서의 음향적 융합 210
• 5. 소결: 기술적 융합과 상호문화적 협업 214
• V. 존 콜트레인과 존 맥러플린의 인도 재즈 융합의 영향 215
• 1. 존 콜트레인의 음악적 유산 216
• 1) 모달 어법 확장과 후대의 계승 216
• 2) 즉흥연주 방법론의 혁신과 그 파급 219
• 3) 영성적·사상적 탐구의 의의 221
• 2. 존 맥러플린의 음악적 유산 224
• 1) 재즈-록 퓨전 및 월드 뮤직 장르 발전에의 기여 224
• 2) 리듬 및 박자 개념 혁신과 그 파급 225
• 3) 악기 개조 실험의 의의 226
• 4) 상호문화적 음악 협업 모델의 반향 227
• 3. 존 콜트레인과 존 맥러플린의 인도 요소 수용에 대한 비교 분석 231
• 1) 인도 요소 수용 방식과 영향 비교 231
• 2) 재즈 어휘와 표현 영역 확장에 대한 종합적 기여 고찰 233
• 4. 인도 재즈 융합의 교육적 영향 검토 236
• 5. 현대 재즈 음악가들의 인도음악 수용과 융합 241
• 1) 비제이 아이어의 음악 분석 241
• 2) 루드레쉬 마한타파의 음악 분석 247
• 6. 소결: 유산의 계승과 융합의 지속 251
• VI. 결론 252
• 참고문헌 259
• Abstract 270