한지와 유리의 물성에 기반한 ‘사이(in-between)’의 감응 표현 연구 : 나의 작업을 중심으로 = A Study on Expressing the Affect of “In-between” based on the Physical properties of Han-ji and Glass:based on my works|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This thesis explores the expression of “in-between” affected by the physical properties of Han-ji and glass, which are the main materials used in my works from 2018 to the present. The main purpose of this research is to analyze the development process and results of each work while considering their aesthetic and art historical significance based on the motivation, theme, and formative consciousness of the works.
The works that are the subject of this study have been expanded into various forms of art, such as painting, sculpture, and installation, through physical experience and sensory intuition, with a focus on hanji and glass. In my paintings, I explored the affect between subjects metaphorically represented as painting elements, and in my sculptures and installations, I explored the sense of “in-between” through the physical properties of Han-ji as a painting medium and physicality, and the immateriality and materiality of glass.
In my work, “in-between” is a concept that is embodied in form, content, and materials. Formally, ink and color, divergence and division, intentionality and chance coexist, and materials such as hanji and glass are used to create a fluid form that crosses the boundaries between painting and space. This is an attitude for continuity and creation rather than completion. In terms of content, it is a way of existing in limbo, without defining the self as a single category, based on questions about the self between heterogeneous identities and relationships, such as male and female, self and other, and inside and outside. In terms of materials, “in-between” functions separately or together, revealing the flatness and physicality of Han-ji and the boundaries and transparency of glass. It induces affect in a way that emphasizes their disparate senses while coexisting without hierarchy. These works are in a state of flux, where identity, senses, and relationships are not fixed but interact and renew themselves.
In Chapter II, I lay the theoretical foundation by focusing on the affect that arises from “in-between.” First, I examine the dictionary definitions and theoretical contexts of the concepts of “in-between” and “affect.” After examining the dictionary definitions and universal usage of the concept of “in-between,” I discuss its potential as a conceptual term by comparing it with similar concepts. Next, I clarify the meaning of “in-between” in my work in terms of form, content, and material. I summarize the concept and theoretical background of “affect” and clarify that ‘affect’ is a physical and relational event through its differences from similar concepts. In addition, I consider “in-between” as a way of existence and the aesthetic and social attitude of the creator, and describe that a fluid attitude of affect that is not fixed is an essential element in communicating with materials.
Next, through the theories of Deleuze, Irigaray, and Barad, we interpret “in-between” from three axes: “differences in sensation and surface events,” “inter-subjective relationships,” and “entanglement and agency of matter.” In connection with this, we summarize key concepts such as the tactile sensation of surfaces and events, horizontal materiality, and the agency of matter. It focuses on the creation of “in-between” that occurs in the interaction between senses, relationships, and matter. At the level of the senses, “in-between” is understood as an event on the surface where forces and rhythms reside before the form is completed. This is explained through the process of the occurrence of tactile sensations and affect, focusing on the paintings of Francis Bacon. In terms of relationships, the “in-between” transcends the traditional subject-object structure and transforms into an inter-subjective relationship, explaining the horizontal relationship of tactile senses, including air as an immaterial substance. In terms of materiality, Barad's concept of “inter-action” explains that matter is not a fixed entity but exists in a field of intertwining and reaction, and is a subjective actor that causes affect.
Finally, by analyzing examples in which these concepts are embodied in form, we consider how “in-between” generates sensation and meaning. We examine the collision of events and forces on the surface of two-dimensional paintings through the works of Park Rae-hyun and Lee Krausner, and shed light on the affect between existence and existence through the works of Lee Ufan and Kwak In-sik. Next, I analyze the entanglement of materials and the resulting agency through the works of Ronnie Horn and Anne Veronica Janssen, and describe how the concept of “in-between” is individualized and expressed in various materials, senses, and relationships.
In Chapter III, I focus on my own work to discuss in detail how the concept of “in-between” is embodied.
I analyze the affect of “in-between” that arises from the intersection of forces and tactile sensations through pictorial language such as ink and color, smudging, and compartmentalization. In particular, the boundary where ink and color meet reveals the tension between chance and control, fluidity and fixation. This contact surface is a metaphor for the state of unfixed existence, and I interpret the surface of the painting as a field of tactile reciprocity. It also highlights the unique physical properties and performativity of Han-ji. Hanji is not a simple background, but a material existence that actively interacts with the artist. It illuminates the relationship between invisible flows and affect that occur in the special space-time of the studio and the changing environment, and describes the “in-between” that is formed in the intertwining of immaterial elements such as time, air, and atmosphere. This process is metaphorically expressed through short dialogues. Finally, the sensory intertwining created by various materials centered on glass and the resulting affect are analyzed. Glass functions as a medium that visualizes invisible elements such as light, air, temperature, and humidity, and generates heterogeneous sensations through contact with other materials. The intertwining of materials creates new meanings in the flow of time and actions, and reveals the horizontal relationship between the creator and the material through an open form that departs from the fixed forms of glass and hanji.
Chapter IV describes the physical properties of these materials and the production process in detail. It describes the techniques of dyeing and coloring using a mixture of hanji and hwasunji, the application of physical properties in the process of making hanji pieces, the expandability of performance into murals and three-dimensional works, the tactile visuality of various glass materials and points to note when using them, and the methods of bonding hanji and glass and the adhesives used. It also introduces the installation of Han-ji pieces, the bonding of resin and beeswax, the production of frames for glass installations, and installation methods, providing practical production information.
The affect of the “in-between” formed through heterogeneity and harmony mediated by the physical properties of hanji and glass expands the boundaries of painting and installation and embodies sensory experiences in a sculptural form. It also captures the intertwining, affect, and invisible flow between materials, critically deconstructing traditional sculptural language and subject-centered discourse, and has the potential to reflect relational ontology and neo-materialistic sensibility. Furthermore, the material context where the tradition of hanji and the modernity of glass intersect is closely connected to contemporary social issues such as identity, boundaries, gender, and ecology, and is significant in that it encourages reflection on the relationships between humans and non-humans, subjects and others.
Looking at the “in-between” means recognizing the points of boundary and connection and existing as the boundary itself. This means not leaning toward either side of a dichotomous structure, but horizontally accepting both relatedness and separation, identification and individualization, and aiming for a state of existence that is constantly changing and affected, rather than a fixed identity. This is my desire as a creator to be flexible in my actions and acceptance of materials.

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국문 초록 (Abstract)

본 논문은 2018년부터 최근까지의 나의 작업을 중심으로, 주요 재료인 한지와 유리의 물성을 기반으로 한 ‘사이’의 감응 표현을 탐구한다. 작품 제작의 동기와 주제, 조형 의식을 바탕으로 이들이 지닌 미학적, 미술사적 의의를 고찰하며, 각 작업의 전개 과정과 결과를 분석하는데 연구의 핵심 목적이 있다.
본 연구의 대상이 되는 작업은 한지와 유리를 중심으로, 신체적 경험과 감각적 직관을 통해, 회화, 입체, 설치 등 다양한 조형 형식으로 확장되어 왔다. 회화 작업에서는 회화 요소로 은유한 주체와 주체 사이의 감응을, 입체와 설치 작업에서는 회화로서의 한지와 신체성 사이, 유리의 비물질성과 물질성 사이의 물성을 통해 ‘사이’의 감각을 탐색하였다. 나의 작업에서 ‘사이’는 형식, 내용, 재료 전반에 걸쳐 구현되는 개념이다. 형식적으로는 먹과 색, 발산과 구획, 의도성과 우연이 공존하며, 한지와 유리 같은 재료를 통해 회화와 공간의 경계를 오가는 유동적인 형식을 만든다. 이는 완결보다 지속성과 생성을 위한 태도이다. 내용적으로는 이질적인 정체성과 관계성 사이의 자아에 대한 질문에서 남성과 여성, 자아와 타자, 내부와 외부 등의 경계에 선 존재로, 이는 자아를 단일한 범주로 결정짓지 않는 유예된 채 존재하고자 하는 한 방식이다. 재료의 차원에서 ‘사이’는 한지의 평면성과 신체성 사이, 유리는 경계와 투명성 사이를 드러내는 존재로서 각각, 혹은 같이 작동한다. 서로의 이질적 감각을 강조하면서도 위계를 가지지 않고 공존하는 방식으로 감응을 유도한다. 이러한 작업은 정체성, 감각, 관계가 고정되지 않고 상호 반응하며 갱신되는 상태이다.
Ⅱ장에서는 ‘사이’에서 발생하는 감응에 주목하며 이론적 기반을 마련한다. 먼저 ‘사이’와 ‘감응’ 개념의 사전적 정의와 이론적 맥락을 살펴본다. ‘사이’ 개념의 사전적 정의와 보편적 쓰임을 살펴본 뒤, 유사 개념들과 비교하며 개념어로서의 가능성을 논의한다. 이어 나의 작업에서의 ‘사이’의 의미를 형식, 내용, 재료의 차원에서 밝힌다. ‘감응’의 개념과 이론적 배경을 정리하고, 유사 개념들과의 차이를 통해 ‘감응’이 신체적, 관계적 사건임을 밝힌다. 또한 ‘사이’를 존재 방식이자 창작자의 미학적, 사회적 태도로 간주하며, 고정되지 않은 유동적 감응의 태도가 재료와의 소통에 있어 본질적인 요소임을 서술한다. 이어 들뢰즈, 이리가라이, 바라드의 이론을 통해 ‘감각의 차이와 표면의 사건’, ‘상호-주체적 관계’, ‘물질의 얽힘과 행위성’이라는 세 축에서 ‘사이’를 해석한다. 이와 연계하여 표면과 사건의 촉지적 감각, 수평적 질료성, 물질의 능동성 같은 주요 개념들을 정리한다. 감각, 관계, 물질 간의 상호작용에서 발생하는 ‘사이’의 생성에 주목한다. 감각의 차원에서 ‘사이’는 형상이 완결되기 전, 힘들의 작용과 리듬이 머무는 표면 위의 사건으로 이해된다. 이를 프란시스 베이컨의 회화를 중심으로, 촉지적 감각의 전기와 감응의 발생 과정을 통해 설명한다. 관계의 차원에서는 ‘사이’가 전통적인 주체-객체 구도를 넘어서 상호-주체적 관계로 전환되며, 비물질적 질료로서의 공기를 포함한 촉각적 감각의 수평적 관계를 설명한다. 물질의 차원에서는 바라드의 ‘내부-작용’ 개념을 통해 물질이 고정된 실체가 아닌 상호 얽힘과 반응의 장 속에 존재하며, 감응을 일으키는 주체적 행위자임을 설명한다. 마지막으로 이러한 개념들이 조형적으로 구체화된 사례를 분석함으로써, ‘사이’가 어떻게 감각과 의미를 생성하는지를 고찰한다. 평면 회화에서의 표면의 사건과 힘의 충돌을 박래현과 리 크래이스너의 작업을 통해 살펴보고, 존재와 존재 사이의 감응은 이우환, 곽인식의 작업을 조명한다. 이어 로니 혼과 앤 베로니카 얀센의 작업을 통해 물질의 얽힘과 그로 인한 행위성을 분석하며, ‘사이’ 개념이 다양한 물질과 감각, 관계 속에서 어떻게 개별화되어 표현되었는지 서술한다.
Ⅲ장에서는 나의 작업을 중심으로 ‘사이’의 감응 개념이 어떻게 구체화되었는지 본격적으로 다룬다. 수묵과 채색, 번짐과 구획 등 회화적 조형 언어를 통해 힘들의 교차와 촉지적 감각으로 발생하는 ‘사이’의 감응을 분석한다. 특히 먹과 색이 만나는 경계는 우연과 통제, 유동성과 고정 사이의 긴장을 드러낸다. 이러한 접촉면은 고정되지 않은 존재의 상태를 은유하며, 회화의 표면을 촉지적 상호성의 장으로 해석한다. 그리고 한지의 고유한 물성과 행위성을 부각한다. 한지는 단순한 바탕이 아닌, 작가와 상호작용하며 능동적으로 감응하는 질료적 존재이다. 작업실이라는 특수한 시공간과 변화하는 환경 속에서 발생하는 비가시적 흐름과 감응의 관계를 조명하고, 시간, 공기, 분위기 등의 비물질적 요소들과의 얽힘 속에서 형성되는 ‘사이’를 서술한다. 이 과정을 짧은 대화 형식의 기록을 통해 은유적으로 풀어낸다. 마지막으로 유리를 중심으로 다양한 재료들이 만들어 내는 감각적 얽힘과 그로 인한 감응을 분석한다. 유리는 빛, 공기, 온도, 습도 등 비가시적 요소들을 시각화하는 매개체로 기능하며, 다른 재료들과의 접촉을 통해 이질적 감각을 발생시킨다. 재료 간의 얽힘은 각기 다른 행위성과 시간의 흐름 속에서 새로운 의미를 생성하고, 유리와 한지의 고정된 형식을 벗어나는 개방적 조형 형식을 통해 창작자와 물질 간의 수평적 관계를 드러낸다.
Ⅳ장에서는 이러한 재료들의 물성 활용과 제작 과정을 구체적으로 기술한다. 한지와 화선지를 혼합한 선염과 채색 기법, 한지 조각 제작 과정에서의 물성 응용, 벽화와 입체로 확장된 행위성, 다양한 유리 재료의 촉각적 시각성과 사용 시 유의점, 한지와 유리의 접착 방식 및 접착제에 대해 서술한다. 또한 한지 조각의 설치와 레진, 밀랍의 접착, 유리 설치 작업을 위한 틀 제작과 설치 방식을 소개하며 실천적인 제작 정보를 제공한다.
한지와 유리의 물성을 매개로 이질성과 조화를 통해 형성되는 ‘사이’의 감응은 회화와 설치의 경계를 확장하며, 감각적 경험을 조형적으로 구체화한다. 또한 물질 간의 얽힘, 감응, 비가시적 흐름을 포착하며 전통적인 조형 언어와 주체 중심의 담론을 비판적으로 해체하고, 관계적 존재론과 신유물론적 감수성을 반영하는 가능성을 지닌다. 나아가 한지의 전통성과 유리의 현대성이 교차하는 재료적 맥락은 오늘날 동시대 사회의 정체성, 경계, 젠더, 생태성 등의 문제와도 긴밀히 연결되며, 인간과 비인간, 주체와 타자 간의 관계를 사유하게 하는 점에서 의의가 있다.
‘사이’를 바라보는 것은 경계와 접속의 지점을 인식하고 그 경계 자체로 존재하려는 존재방식을 의미한다. 이는 이분법적 구조에서 어느 한 쪽에 치우치지 않고 관계성과 분리, 동일화와 개별화 모두를 수평적으로 수용하며 고정된 정체성이 아닌 끊임없이 변화하고 감응하는 존재 상태 를 지향하는 것이다. 이는 창작자로서 나의 행위와 재료의 수용에 유연함을 가지고자 하는 의지이다.

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본 논문은 2018년부터 최근까지의 나의 작업을 중심으로, 주요 재료인 한지와 유리의 물성을 기반으로 한 ‘사이’의 감응 표현을 탐구한다. 작품 제작의 동기와 주제, 조형 의식을 바탕으로 ...

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