사물, 평면, 행위: 1970년대 한국미술의 즉물적 경향에 대하여 = Thing, Plane, and Action in 1970s Korea: Reconfiguring Art Beyond the Literal|RISS 상세보기

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

This thesis examines Korean art of the 1970s through the critical lens of the “literal”—a concept that encompasses non-symbolism, anti-interpretive resistance, and a return to the literal conditions of the medium. Moving beyond the dominant historical framing of the era in terms of the binary between Dansaekhwa and experimental art, this study identifies a shared tendency among artists to foreground the operative logic of their mediums while withholding symbolic meaning.
Rather than reducing this tendency to a symbolic proxy for national identity or a metaphor for political critique, the thesis argues that it marked a sustained effort to reconfigure the very category of art through literalist strategies. The literal, in this context, refers not to figural clarity or direct description, but to a conceptual stance that resists representation, decenters anthropocentric authorship, and foregrounds the constraints and affordances of the medium itself. This approach also challenges the humanist assumptions embedded in both modernist and nationalist aesthetics in 1970s Korea.
The thesis begins by analyzing Lee Ufan’s theory of post-anthropocentric art, which reimagines art-making as a non-productive, non-intentional “encounter” with things. Yet this orientation did not emerge from theory alone; it was grounded in the urban sensibility of the late 1960s, where artists responded to the rationalized, objectified landscape of the city by privileging objectivity, indeterminacy, and resistance to interpretation.
Against this background, painting became a site of both deep suspicion and radical possibility. As the most illusion-prone and symbolically burdened medium, it was questioned for its complicity with representation and authorship. Yet some artists did not abandon painting but sought to reconfigure it by working through the literal conditions of the pictorial plane. These experiments detached painting from narrative and metaphor, recasting it as a surface of contact and constraint—an encounter between medium, matter, and viewer.
The thesis then turns to performative actions involving the human body—treating the body not as an expressive subject but as a literal medium situated in time and space. These event-based practices emphasized physical action stripped of symbolic content, extending the literalist impulse into lived and durational forms.
Ultimately, the thesis contends that the central concern of 1970s Korean art was not simply to negate meaning, but to reassemble the ontology of art on the basis of its literal conditions. By tracing how thing, plane, and action intersect within this framework, the study proposes a new account of how Korean artists confronted the limits of representation and envisioned a practice of art beyond interpretation.

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국문 초록 (Abstract)

본 논문은 즉물적 미술의 가능성이 탐색된 시기로 1970년대 한국미술을 다시 읽어보려는 시도이다. 1970년대 제도권 미술은 단색화와 실험미술의 이분법적 구도를 넘어, 외적인 의미와의 연결 속에서 해설되어왔다. 한국미술의 본격적인 국제 진출을 기점으로 단색조의 화면은 ‘정신성’, ‘전통성’의 상징으로 의미화되었고, 실험미술은 억압적인 사회 분위기를 우회적으로 비판하는 은유의 방법론으로 설명되었다. 이러한 의미론적 접근법은 ‘있는 그대로’의 상태로 미술을 환원하고자 하였다는 작가와 비평가들의 진술을 축소하거나, 정권의 검열을 회피하기 위한 전략적 수사로 환원시키는 결과로 이어졌다.
그러나 본 논문은, 이러한 의미화의 틀을 넘어 사물의 물리적 조건을 상징화 없이 드러내고, 해석적 언어로부터 미술을 이탈시키는 즉물의 방법론이 1970년대 한국미술의 장에서 실질적으로 작동하였음을 보이고자 한다. ‘오브제’ 혹은 ‘입체’ 미술이 자신의 사물성을 고백하고, 회화가 지지체의 조건을 승인하며, 행위가 목적 없는 운동으로 환원된 장으로 이 시기를 바라볼 때, 서로 다른 매체에 기반한 미술 실천을 연결하는 공통된 열망을 발견할 수 있음을 주장하고자 한다.
1970년대 한국미술이 즉물적 환원을 추구하게 된 결정적인 전환점에는 분명 이우환의 반인간주의 미술론이 자리한다. 인간중심주의를 극복한 미술에 이르기 위한 이중의 과제를 제시하며, 이우환은 진정한 세계를 열어 보이는 현대미술의 등장을 요청한다. 미술은 인간적 의미와 결별한 사물을 확인하는 동시에, 사물의 즉물적 상태를 극복하고 있는 그대로의 세계와 마주해야 하였다. 이 시기 한국미술의 장에 등장한 가공되지 않은 나무, 천, 흙 등의 자연물은 인간주의로 오염되지 않은 본연의 세계를 되찾으려는 시도로 이해된다.
그러나 미술의 중심에 작가가 아닌 사물을 배치하는 기획은 이우환의 영향만으로 환원되지 않는다. 이우환의 미술론이 즉각적으로 수용될 수 있었던 배경으로서, 주관보다 객관을, 의미보다 무의미를, 자기완결성보다는 개방성을 추구한 1960년대 말의‘도시의 미술’을 간과해서는 안 된다. 변모하는 도시 환경에 반응하며 즉물적인 감수성을 체화한 이 시기의 미술은 반인간주의적 미술론의 즉각적인 수용과 확산을 예비한다.
이처럼 사물과 그것을 넘어서는 더 큰 세계를 향한 관심이 고조되는 시기에, 회화는 의심의 대상이었다. 자기 완결성과 쉽게 결별하지 못하고, 진정한 세계를 가리는 허상을 생산할 뿐이라는 혐의 속에 회화는 그 시의성을 상실하는 듯 보였다. 그러나 1970년대 중반 즉물적인 사고를 기반으로 회화의 조건을 재구성하는 시도들은 반인간주의적 전환 이후에도 회화가 지속될 수 있음을 주장한다. 작가의 구성을 투사한 자의적 결과물이기보다, 재료의 즉물적 조건에 말미암은 필연적 결과물로서 제시된 회화는 외적 상징 및 의미와 결별하며 즉자성을 획득하게 된다.
이와 대조적으로, 당시 화단 일각에서는 즉물적 회화란 형용모순이라는 비판이 제기된다. 회화는 관습에 따라 화면 외적인 무언가를 의미하는 것으로 이해되기에 현대미술에 적합한 매체가 아니라는 지적, 회화는 ‘일루젼’의 결과물에 지나지 않는다는 본질론적 재고, 회화는 입체 미술의 급진성을 평면으로 되돌리며 미학화한다는 문제 제기는 그 사례이다. 즉물적 회화의 자가당착을 지적한 비평가와 작가들은, 이후 평면이 아닌 3차원적 현실에서 작동할 수 있는 즉물적 미술을 새로이 구상한다. 시공간적 조건에 실시간적으로 반응하고, 주변의 사물과 상호작용하며 움직이는 인간의 ‘몸’은 새로운 미술의 매체로 제시된다.
이렇듯 1970년대 한국미술의 관건은 미술을 즉물적으로 환원하는 일이 아닌, 매체의 즉물적 조건 위에서 미술의 범주를 재구성하는 데 있었다. 본 논문은 매체의 즉물적 조건을 확인하면서도, 그 영도로부터 미술을 다시 세워 올리고자 하였던 1970년대 한국미술의 변증법적 시도를 조망하고자 한다.

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본 논문은 즉물적 미술의 가능성이 탐색된 시기로 1970년대 한국미술을 다시 읽어보려는 시도이다. 1970년대 제도권 미술은 단색화와 실험미술의 이분법적 구도를 넘어, 외적인 의미와의 연결...

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